Популярный справочник. Творческие портреты композиторов (Фрагменты)
М., "Музыка", 1990
пред.страница

след.страница

ФАЛЬЯ (Falla) Мануэль де (23 XI 1876, Кадис - 14 XI 1946. Альта-Грасия, Аргентина)

Я стремлюсь к искусству столь же сильному, сколь и простому, чуждому тщеславия и эгоизма.
Цель искусства - порождать чувство во всех его аспектах, и другой цели у него не может и не должно быть.
М. де Фалья

М. де Фалья - выдающийся испанский композитор XX в. - в своем творчестве развивал эстетические принципы Ф. Педреля - идейного руководителя и организатора движения за возрождение испанской национальной музыкальной культуры (Ренасимьенто). На рубеже XIX-XX вв. это движение охватило различные стороны жизни страны. Деятели Ренасимьенто (писатели, музыканты, художники) стремились вывести из застоя испанскую культуру, возродить ее самобытность, поднять национальную музыку на уровень передовых европейских композиторских школ. Фалья, как и его современники - композиторы И. Альбенис и Э. Гранадос, стремился воплотить в своем творчестве эстетические принципы Ренасимьенто.

Первые уроки музыки Фалья получил у своей матери. Потом брал уроки фортепианной игры у X. Траго, у которого учился впоследствии в Мадридской консерватории, где изучал также гармонию и контрапункт. В 14 лет Фалья уже начал сочинять произведения для камерно-инструментального ансамбля, а в 1897-1904 гг. написал пьесы для фортепиано и 5 сарсуэл. Плодотворное воздействие на Фалью оказали годы учения у Педреля (1902-04), который ориентировал молодого композитора на изучение испанского фольклора. В результате появилось первое значительное произведение - опера Короткая жизнь (1905). Написанная на драматический сюжет из народной жизни, она содержит выразительные и психологически правдивые образы, колоритные пейзажные зарисовки. Эта опера была отмечена первой премией на конкурсе мадридской Академии изящных искусств в 1905 г. В том же году Фалья завоевывает первую премию на конкурсе пианистов в Мадриде. Он много концертирует, дает уроки игры на фортепиано, сочиняет.

Огромное значение для расширения художественных взглядов Фальи и совершенствования мастерства имело его пребывание в Париже (1907-14) и творческое общение с выдающимися французскими композиторами К. Дебюсси и М. Равелем. По совету П. Дюка в 1912 г. Фалья перерабатывает партитуру оперы Короткая жизнь, которая ставится затем в Ницце и Париже. В 1914 г. композитор возвращается в Мадрид, где по его инициативе создается музыкальное общество для пропаганды старинной и современной музыки испанских композиторов. Трагические события первой мировой войны нашли отражение в Молитве матерей, которые держат на руках своих сыновей для голоса и фортепиано (1914).

В 1910-20 гг. стиль Фальи приобретает законченность. В нем органично синтезируются достижения западноевропейской музыки с национальными испанскими музыкальными традициями. Это блестяще воплотилось в вокальном цикле Семь испанских народных песен (1914), в одноактном балете-пантомиме с пением Любовь-волшебница (1915), в котором изображены картины быта испанских цыган. В симфонических впечатлениях (по обозначению автора) Ночи в садах Испании для фортепиано с оркестром (1909-15) Фалья сочетает характерные особенности французского импрессионизма с испанской основой. В результате сотрудничества с С. Дягилевым появился балет Треуголка, который получил широкую известность. В оформлении и в исполнении балета принимали участие такие выдающиеся деятели культуры, как хореограф Л. Мясин, дирижер Э. Ансерме, художник П. Пикассо. Фалья приобретает авторитет в европейском масштабе. По просьбе выдающегося пианиста А. Рубинштейна Фалья пишет блестящую виртуозную пьесу Бетическая фантазия, основанную на андалусских народных темах. В ней использованы оригинальные технические приемы, идущие от испанского гитарного исполнительства.

С 1921 г. Фалья живет в Гранаде, где совместно с Ф. Гарсиа Лоркой в 1922 г. организует фестиваль канте хондо, который имеет большой общественный резонанс. В Гранаде Фалья написал оригинальное музыкально-театральное произведение Балаганчик маэстро Педро (на сюжет одной из глав Дон-Кихота М. Сервантеса), в котором сочетаются элементы оперы, балета-пантомимы и кукольного представления. В музыке этого сочинения претворены особенности фольклора Кастилии. В 20-х гг. в творчестве Фальи проявляются черты неоклассицизма. Они отчетливо видны в Концерте для клавичембало, флейты, гобоя, кларнета, скрипки и виолончели (1923-26), посвященном выдающейся польской клавесинистке В. Ландовской. На протяжении многих лет Фалья работал над монументальной сценической кантатой Атлантида (по поэме Ж. Вердагера-и-Сантало). Она была завершена учеником композитора Э. Альфтером и исполнялась в виде оратории в 1961 г., а как опера была поставлена в Ла Скала в 1962 г. Последние годы Фалья жил в Аргентине, куда вынужден был эмигрировать из франкистской Испании в 1939 г.

В музыке Фальи впервые воплощен испанский характер в его общенациональном проявлении, полностью свободном от местной ограниченности. Его творчество поставило испанскую музыку в один ряд с другими западноевропейскими школами и принесло ей мировое признание. /В. Ильева/

ФИБИХ (Fibich) Зденек (21 XII 1850, Вшеборжице - 15 X 1900, Прага)

Замечательный чешский композитор З. Фибих наряду с Б. Сметаной и А. Дворжаком справедливо причислен к основоположникам национальной композиторской школы. Жизнь и творчество композитора совпали с подъемом патриотического движения в Чехии, ростом самосознания ее народа, и это нашло живейшее отражение в его произведениях. Глубокий знаток истории своей страны, ее музыкального фольклора, Фибих внес значительный вклад в развитие чешской музыкальной культуры и особенно музыкального театра.

Композитор родился в семье лесника. Свое детство Фибих провел среди чудесной природы Чехии. На всю жизнь он сохранил память о ее поэтической красоте и запечатлел в своем творчестве романтические, сказочные образы, связанные с миром природы. Один из самых эрудированных людей своей эпохи, обладавший глубокими и разносторонними знаниями в области музыки, литературы и философии, Фибих начал профессионально заниматься музыкой с 14 лет. Музыкальное образование получил в музыкальной школе Сметаны в Праге, потом в Лейпцигской консерватории, а с 1868 г. совершенствовался как композитор сначала в Париже и, несколько позже, в Мангейме. С 1871 г. (за исключением двух лет-1873-74, когда он преподавал в музыкальном училище РМО в Вильнюсе) композитор жил в Праге. Здесь он работал вторым дирижером и хормейстером Временного театра, регентом хора русской православной церкви, заведовал репертуарной частью оперной труппы Национального театра. Хотя Фибих и не занимался преподавательской деятельностью в музыкальных учебных заведениях Праги, у него были ученики, ставшие впоследствии видными представителями чешской музыкальной культуры. Среди них К. Коваржовиц, О. Острчил, 3. Неедлы. Кроме того, существенным вкладом Фибиха в педагогику стало создание им школы игры на фортепиано.

В становлении музыкального дарования Фибиха существенную роль сыграли традиции немецкого музыкального романтизма. Немалое значение имело я увлечение чешской романтической литературой, в особенности поэзии Я. Врхлицкого, чьи произведения были положены в основу многих сочинений композитора. Как художник Фибих прошел сложный путь творческой эволюции. Его первые крупные произведения 6070-х гг. пронизаны патриотическими идеями движения национального возрождения, сюжеты и образы заимствованы из чешской истории и народного эпоса, насыщены выразительными средствами, характерными для национального песенно-танцевального фольклора. Среди этих сочинений впервые принесшая композитору известность симфоническая поэма Забой, Славой и Людек (1874), патриотическая опера-баллада Бланик (1877), симфонические картины Томан и лесная фея, Весна. Однако наиболее близкой Фибиху сферой творчества стала музыкальная драма. Именно в ней, где сам жанр требует тесной взаимосвязи различных видов искусства, нашла свое применение высокая культура, интеллигентность и интеллектуализм композитора. Чешские историки отмечают, что, создав Мессинскую невесту (1883), Фибих обогатил чешскую оперу музыкальной трагедией, которая по захватывающей силе художественного воздействия не имела в ту пору себе равных. Конец 80 - начало 90-х гг. Фибих посвящает работе над своим наиболее монументальным произведением - сценической мелодрамой-трилогией Ипподамия. Написанное на текст Врхлицкого, который своеобразно развил здесь известные древнегреческие мифы в духе философских воззрений конца века, это сочинение обладает высокими художественными достоинствами, возрождает и доказывает жизнеспособность жанра мелодрамы.

Последнее десятилетие в творчестве Фибиха оказалось особенно плодотворным. Им были написаны 4 оперы: Буря (1895), Геды (1897), Шарка (1897) и Падение Арканы (1899). Однако самым значительным созданием этого периода стало уникальное для всей мировой фортепианной литературы сочинение - цикл из 376 фортепианных пьес Настроения, впечатления и воспоминания. История его возникновения связана с именем Анежки Шульц, жены композитора. Этот цикл, названный З. Неедлы любовным дневником Фибиха, стал не только отражением глубоко личных и сокровенных чувств композитора, но явился своего рода творческой лабораторией, из которой он черпал материал для многих своих произведений. Афористически краткие образы цикла своеобразно преломились во Второй и Третьей симфониях и особую трепетность обрели в симфонической идиллии Перед вечером. Скрипичная транскрипция этого сочинения, принадлежащая выдающемуся чешскому скрипачу Я. Кубелику, получила широкую известность под названием Поэма. /И. Ветлицына/

ФИЛИДОР (Philidor) Франсуа Андре (Francois Andre) (настоящая фамилия Даникан-Филидор, Danican Philidor) (7.09.1726 - 24.08.1795)

Французский композитор. Сын придворного музыканта и композитора Андре Филидора (старшего). Ученик А. Кампра. Был известен как один из лучших шахматистов своего времени; автор одного из первых руководств по шахматам "Анализ шахматной игры" (1749). Будучи в Англии, Филидор познакомился с музыкой Генделя и, подражая ей, начал писать мотеты (1754). Но вскоре Филидор обращается к сочинению комических опер и достигает в этом жанре больших успехов. Он жил попеременно в Париже и Лондоне, где состоялись премьеры его опер.

Сюжетами для своих произведений Филидор выбирал незатейливые бытовые комедии. Героями его опер большей частью были ремесленники, крестьяне, солдаты. Значительное место в них занимали жанровые сцены из жизни простого люда. Таковы лучшие оперы Филидора (даты пост.) - "Блез-сапожник" (1759), "Солдат-волшебник" (1760), "Садовник и его господин" (1761), "Кузнец" (1761; выдержал в то время свыше 200 представлений), "Санчо Панса на своем острове" (1762), "Дровосек, или Три желания" (1763), "Колдун" (1764). Филидор превосходил своих современников А. Гретри и Монсиньи в богатстве гармонического языка, в более интересном построении ансамблей, в красочности оркестра, но значительно уступал им как мелодист. В опере "Том Джонс" по сюжету романа Г. Филдинга (пост. 1765) Филидор впервые ввел в квартет солистов без инструментального сопровождения, производивший в те годы огромное впечатление на зрителей. Новым в его комических операх была и замена обычных куплетов различными формами арий и ансамблей. Филидор писал и оперы-сериа, среди которых имела успех "Эрнелинда, принцесса Норвежская" (1767; 2-я ред. - "Сандомир, датский принц" - 1769). Некоторые оперы Филидора успешно шли и на русской сцене. /М. Ю. Миркин/

ФОРЕ (Faure) Габриэль (Юрбен) (12 V 1845, Памье, деп. Арьеж - 4 XI 1924, Париж)

Чудесная музыка! Такая ясная, такая чистая, и такая французская, и такая человечная!
Р. Дюмениль

Класс Форе был для музыкантов тем же, чем был для поэтов салон Малларме... Лучшие музыканты эпохи, за малым исключением, прошли через эту замечательную школу элегантности и вкуса.
А. Ролан-Манюэль

Жизнь Г. Форе - крупного французского композитора, органиста, пианиста, дирижера, музыкального критика - проходила в эпоху значительных исторических событий. В его деятельности, характере, чертах стиля сплавились особенности двух разных веков. Он принял участие в последних битвах франко-прусской войны, был свидетелем событий Парижской коммуны, до него доходили свидетельства о русско-японской войне (Что за резня между русскими и японцами! Это омерзительно), он пережил первую мировую войну. В искусстве на его глазах расцветали импрессионизм и символизм, проходили Вагнеровские фестивали в Байрейте и Русские сезоны в Париже. Но самым существенным явилось то обновление французской музыки, ее второе рождение, в котором принимал участие и Форе и в котором заключался основной пафос его общественной деятельности.

Форе родился на юге Франции в семье школьного учителя математики и дочери капитана наполеоновской армии. Габриэль был шестым ребенком в семье. Воспитание в деревне у простой крестьянки-кормилицы сформировало мальчика молчаливого, задумчивого, привило ему любовь к мягким очертаниям родных долин. Интерес к музыке проявился у него неожиданно в робких импровизациях на фисгармонии местной церкви. Одаренность ребенка была замечена и его направили для обучения в Париж в Школу классической и религиозной музыки. 11 лет пребывания в Школе дали Форе необходимые музыкальные знания и навыки, основанные на изучении большого количества произведений, в т. ч. старинной музыки, начиная с григорианского хорала. Подобная стилистическая ориентация отразилась в творчестве зрелого Форе, возродившего, подобно многим крупнейшим композиторам XX в., некоторые принципы музыкального мышления добаховской эпохи.

Особенно много дало Форе общение с музыкантом огромного масштаба и исключительной одаренности - К. Сен-Сансом, который преподавал в Школе в 1861-65 гг. Между учителем и учеником сложились отношения полного доверия и общности интересов. Сен-Санс внес в обучение свежую струю, познакомив своих учеников с музыкой романтиков - Р. Шумана, Ф. Листа, Р. Вагнера, до той поры недостаточно известных во Франции. Форе не остался безразличным к влияниям этих композиторов, друзья даже называли его иногда французским Шуманом. С Сен-Сансом же началась дружба, длившаяся всю жизнь. Видя исключительную одаренность ученика, Сен-Санс не раз доверял ему заменять себя в некоторых выступлениях, позже посвятил ему свои Бретонские впечатления для органа, использовал тему Форе во вступлении своего Второго фортепианного концерта.

Окончив Школу с первыми премиями по композиции и фортепиано, Форе едет работать в Бретань. Совмещая служебные обязанности в церкви с музицированием в светском обществе, где он пользуется большим успехом, Форе вскоре по оплошности теряет свое место и возвращается в Париж. Здесь Сен-Санс помогает ему устроиться органистом в небольшой церквушке.

Значительную роль в судьбе Форе сыграл салон знаменитой певицы Полины Виардо. Позже композитор писал ее сыну: Я был встречен в доме твоей матери с доброжелательностью и приветливостью, которых никогда не забуду. Я сохранил... воспоминание о дивных часах; они так драгоценны одобрением твоей матери и твоим вниманием, горячей симпатией Тургенева... Общение с Тургеневым положило начало связям с деятелями русского искусства. Позже у него завязываются знакомства с С. Танеевым, П. Чайковским, А. Глазуновым, в 1909 г. Форе приезжал в Россию и выступал с концертами в Петербурге и Москве.

В салоне Виардо нередко звучали новые произведения Форе. К этому времени он сочинил большое количество романсов (в т. ч. знаменитое Пробуждение), привлекавших слушателей мелодической красотой, тонкостью гармонических красок, лирической мягкостью. Восторженные отклики вызвала скрипичная соната. Танеев, услышав ее во время пребывания в Париже, писал: Я от нее в восторге. Может быть, это самое лучшее сочинение из всех тех, которые я здесь слышал... Самые оригинальные и новые гармонии, самые смелые модуляции, но при этом ничего резкого, раздражающего ухо... Красота тем удивительная...

Менее удачно сложилась личная жизнь композитора. После разрыва помолвки с невестой (дочерью Виардо) Форе пережил тяжелое потрясение, от последствий которого избавился лишь через 2 года. Возвращение к творчеству приносит ряд романсов и Балладу для фортепиано с оркестром (1881). Развивая традиции листовского пианизма, Форе создает произведение с выразительной мелодикой и почти импрессионистической тонкостью гармонических красок. Женитьба на дочери скульптора Фремье (1883) и успокоение в семье сделало жизнь Форе более счастливой. Это нашло отражение и в музыке. В фортепианных произведениях и романсах этих лет композитор достигает удивительного изящества, тонкости, созерцательного удовлетворения. Не раз еще кризисы, связанные с тяжелой депрессией и началом столь трагичного для музыканта заболевания (болезнь слуха), прерывали творческий путь композитора, однако из каждого он выходил победителем, представляя все новые свидетельства своего незаурядного дарования.

Плодотворным для Форе оказалось обращение к поэзии П. Верлена, по словам А. Франса, самого оригинального, самого грешного и самого мистичного, самого сложного и самого смятенного, самого безумного, но уж, конечно, и самого вдохновенного, и самого подлинного из современных поэтов (ок. 20 романсов, в т. ч. циклы Из Венеции и Добрая песня).

Самые крупные удачи сопутствовали излюбленным Форе камерным жанрам, на основе изучения которых он строил и свои занятия с учениками по классу композиции. Одной из вершин его творчества является великолепный Второй фортепианный квартет, полный драматических коллизий и взволнованной патетики (1886). Форе писал и крупные произведения. В годы второй мировой войны с особым смыслом для патриотов-французов звучала его опера Пенелопа (1913), многие исследователи и почитатели творчества Форе считают его шедевром Реквием с мягкой и благородной скорбью его песнопений (1888). Любопытно, что Форе принял участие в открытии первого концертного сезона XX столетия, сочинив музыку к лирической драме Прометей (по Эсхилу, 1900). Это было колоссальное предприятие, в котором приняло участие ок. 800 исполнителей и которое проходило во французском Байрейте - в театре под открытым небом среди Пиренеев на юге Франции. В момент генеральной репетиции разразилась гроза. Форе вспоминал: Гроза была ужасающая. Молния упала на арену прямо в место (вот совпадение!), где Прометей должен был высекать огонь... декорации оказались в плачевном состоянии. Однако погода улучшилась, и премьера имела ошеломляющий успех.

Огромное значение для развития французской музыки имела общественная деятельность Форе. Он принимает активное участие в деятельности Национального общества, призванного пропагандировать музыкальное искусство Франции. В 1905 г. Форе принимает пост директора Парижской консерватории и будущий расцвет ее деятельности несомненно является следствием обновления преподавательского состава и реорганизаций, предпринятых Форе. Выступая всегда защитником нового и прогрессивного в искусстве, Форе в 1910 г. не отказывается стать президентом нового - Независимого музыкального общества, организованного не принятыми в Национальное общество молодыми музыкантами, среди которых немало учеников Форе (в т. ч. М. Равель). В 1917 г. Форе добился объединения французских музыкантов путем введения независимых в Национальное общество, что оздоровило атмосферу концертной жизни.

В 1935 г. друзья и почитатели творчества Форе, крупнейшие музыканты, исполнители и композиторы, среди которых было немало его учеников, основали Общество друзей Габриэля Форе, пропагандирующее среди широкой аудитории музыку композитора - такую ясную, такую чистую, такую французскую и такую человечную. /В. Базарнова/

ФРАНК (Franck) Сезар (Огюст) (10 XII 1822, Льеж - 8 XI 1890, Париж)

...Нет имени чище, чем имя этой великой простосердечной души. Почти все, кто приближались к Франку, испытали на себе его неотразимое обаяние...
Р. Роллан

Франк - необычная фигура во французском музыкальном искусстве, незаурядная, своеобразная личность. Р. Роллан писал о нем от имени героя романа Жана Кристофа: ...этому неземному Франку, этому святому от музыки удалось пронести через жизнь, полную лишений и всеми презираемого труда, немеркнущую ясность терпеливой души, и отсюда - та смиренная улыбка, что осеняла светом добра его творчество. К. Дебюсси, не избежавший обаяния Франка, вспоминал о нем: Этот человек, который был несчастным, непризнанным, обладал детской душой настолько неистребимо доброй, что он мог созерцать всегда без горечи недоброжелательность людей и противоречивость событий. Сохранились свидетельства многих крупных музыкантов об этом человеке редкой душевной щедрости, удивительной ясности и простодушия, которые вовсе не говорили о безоблачности его жизненного пути.

Отец Франка принадлежал к старому роду придворных фламандских живописцев. Художественные семейные традиции позволили ему рано заметить незаурядное музыкальное дарование сына, однако в его характере возобладала предприимчивость финансиста, побудившая ради материальной выгоды эксплуатировать пианистическую одаренность маленького Сезара. Тринадцатилетний пианист получает признание в Париже - столице музыкального мира тех лет, украшенной пребыванием крупнейших мировых знаменитостей - Ф. Листа, Ф. Шопена, В. Беллини, Г. Доницетти, Н. Паганини, Ф. Мендельсона, Дж. Мейербера, Г. Берлиоза. С 1835 г. Франк живет в Париже и продолжает свое образование в консерватории. Для Франка все большее значение приобретают занятия сочинением, из-за чего происходит разрыв его с отцом. Рубежным в биографии композитора оказался важный для истории Франции 1848 г. - отказ от концертной деятельности ради композиторского творчества, женитьба на Фелисите Демуссо, дочери актеров театра французской комедии. Интересно, что последнее событие совпадает с революционными событиями 22 февраля - свадебный кортеж вынужден перелезть через баррикады, в чем им помогли повстанцы. Не до конца понимавший события Франк считал себя республиканцем и откликнулся на революцию сочинением песни и хора.

Необходимость обеспечивать семью заставляет композитора постоянно заниматься частными уроками (из объявления в газете: Г-н Сезар Франк... возобновляет частные уроки...: фортепиано, теоретическая и практическая гармония, контрапункт и фуга...). Он не смог позволить себе отказаться от этой ежедневной мдогочасовой изнуряющей работы до конца дней и даже получил травму от толчка омнибуса на пути к одному из своих учеников, приведшую его впоследствии к смерти.

Поздно пришло к Франку признание его композиторского творчества - основного дела его жизни. Первый успех ему довелось испытать лишь в 68 лет, мировое же признание его музыка заслужила лишь после смерти творца.

Однако любые жизненные невзгоды не поколебали здоровой силы духа, наивного оптимизма, доброжелательности композитора, вызывавших симпатии современников и потомков. Он находил, что ходьба на уроки полезна для здоровья и умел получать удовольствие даже от посредственного исполнения своих произведений, нередко принимая равнодушие публики за радушный прием. Видимо, в этом сказалось и национальное своеобразие его фламандского темперамента.

Ответствен, точен, спокойно суров, благороден был Франк в своей работе. Подвижнически однообразен был образ жизни композитора - подъем в 4 ч. 30 мин., 2 часа работы для себя, как он называл сочинение, в 7 утра он уже отправлялся на уроки, возвращаясь домой лишь к ужину, и, если к нему не приходили в этот день его ученики по классу органа и композиции, у него оставалась еще пара часов на доработку своих произведений. Это без преувеличения можно назвать подвигом самоотверженной работы не ради денег или успеха, но ради верности себе, делу своей жизни, своему призванию, высшему мастерству.

Франком создано 3 оперы, 4 оратории, 5 симфонических поэм (в т. ч. Поэма для фортепиано с оркестром), часто исполняемые Симфонические вариации для фортепиано с оркестром, великолепная Симфония, камерно-инструментальные произведения (в частности, нашедшие продолжателей и подражателей во Франции Квартет и Квинтет), любимая исполнителями и слушателями Соната для скрипки и фортепиано, романсы, фортепианные произведения (особое признание публики заслужили крупные одночастные композиции - Прелюдия, хорал и фуга и Прелюдия, ария и финал), около 130 пьес для органа.

Музыка Франка всегда значительна и благородна, одушевлена высокой идеей, совершенна по конструкции и при этом полна звукового очарования, красочности и выразительности, земной красоты и возвышенной одухотворенности. Франк явился одним из создателей французской симфонической музыки, открыв вместе с Сен-Сансом эпоху крупных по масштабу, серьезных и значительных по мысли симфонических и камерных произведений. В его Симфонии сочетание романтически мятущегося духа с классической стройностью и соразмерностью формы, органной густотой звучания создает неповторимый облик сочинения самобытного и оригинального.

Удивительным было у Франка чувство материала. Он владел ремеслом в высшем смысле этого слова. Несмотря на работу урывками, в его произведениях нет разрывов и клочковатости, музыкальная мысль течет непрерывно и естественно. Он обладал редкой способностью продолжать сочинение с любого места, на котором он вынужден был прерваться, ему не нужно было входить в этот процесс, видимо, он постоянно носил в себе свое вдохновение. При этом он мог работать одновременно над несколькими произведениями, причем никогда не повторял дважды однажды найденной формы, приходя в каждом сочинении к принципиально новому решению.

Великолепное владение высшим композиторским мастерством проявилось в органных импровизациях Франка, в этом почти забытом со времен великого И. С. Баха жанре. Франка - известного органиста - приглашали на торжественные церемонии открытия новых органов, такой чести удостаивались только крупнейшие органисты. До конца дней не реже двух-трех раз в неделю Франк играл в церкви Св. Клотильды, поражая своим искусством не только прихожан. Современники вспоминают: ...он приходил, чтобы возжечь пламя своих гениальных импровизаций, зачастую более ценных, чем многие старательно обработанные образцы, мы... забывали обо всем на свете, созерцая напряженно-внимательный профиль и в особенности мощный лоб, вокруг которого как бы вились вдохновенные мелодии и изысканные гармонии, отраженные пилястрами собора: наполняя его, они затем терялись наверху в его сводах. Импровизации Франка слышал Лист. Ученик Франка В. д'Энди пишет: Лист вышел из церкви... искренне взволнованный и восхищенный, произнося имя И. С. Баха, сопоставление с которым само собою возникало в его сознании... "Этим поэмам предназначено место рядом с шедеврами Себастьяна Баха!", - воскликнул он.

Велико влияние органного звучания на стиль фортепианных и оркестровых произведений композитора. Так, одно из самых популярных его произведений - Прелюдия, хорал и фуга для фортепиано - вдохновлено органными звучаниями и жанрами - взволнованное токкатное прелюдирование с охватом всего диапазона, спокойная поступь хорала с ощущением непрерывно тянущегося органного звука, масштабная фуга с баховскими интонациями вздоха-жалобы, да и сам пафос музыки, широта и возвышенность темы как бы привнесли в фортепианное искусство речь истового проповедника, убеждающего человечество в высоте, скорбной жертвенности и этической ценности его предназначения.

Истинной любовью к музыке и к своим ученикам была пронизана педагогическая деятельность Франка в Парижской консерватории, где его класс органа стал центром изучения композиции. Поиски новых гармонических красок и форм, интерес к современной музыке, удивительное знание огромного количества произведений различных композиторов привлекало к Франку молодых музыкантов. Среди его учеников были такие интересные композиторы, как Э. Шоссон или В. д'Энди, открывший в память учителя Schola cantorum, призванную развивать традиции великого мастера.

Всеобщим было посмертное признание композитора. Один из прозорливых его современников писал: Г-н Сезар Франк... будет считаться в XX веке одним из самых великих музыкантов XIX-го. Произведения Франка украшали репертуар таких крупнейших исполнителей, как М. Лонг, А. Корто, Р. Казадезюс. Э. Изаи исполнял Скрипичную сонату Франка в мастерской скульптора О. Родена, лицо его в момент исполнения этого удивительного произведения было особенно вдохновенно, и известный бельгийский скульптор К. Менье воспользовался этим при создании портрета знаменитого скрипача. Традиции музыкального мышления композитора преломились в творчестве А. Онеггера, частично отразились в произведениях русских композиторов Н. Метнера и Г. Катуара. Вдохновенная и строгая музыка Франка убеждает в ценности этических идеалов композитора, которые позволили ему стать примером высокого служения искусству, беззаветной преданности своему делу и человеческому долгу. /В. Базарнова/

ФРЕСКОБАЛЬДИ (Frescobaldi) Джироламо (12 IX 1583(?), Феррара - 1 III 1643, Рим)

Дж. Фрескобальди - один из выдающихся мастеров эпохи барокко, основоположник итальянской органной и клавирной школы. Он родился в Ферраре, в то время - одном из крупнейших музыкальных центров Европы. Ранние годы жизни связаны со службой у герцога Альфонсо II д'Эсте, известного на всю Италию меломана (по свидетельству современников, герцог слушал музыку по 4 часа в день!). При этом же дворе работал Л. Лудзаски, который был первым учителем Фрескобальди. Со смертью герцога Фрескобальди покидает родной город и переезжает в Рим.

В Риме он работал в разных церквах в качестве органиста и при дворах местной знати - клавесинистом. Выдвижению композитора способствовало покровительство архиепископа Гвидо Бентнвольо. Вместе с ним в 1607-08 гг. Фрескобальди совершил путешествие во Фландрию, тогдашний центр клавирной музыки. Поездка сыграла важную роль для формирования творческой индивидуальности композитора.

Рубежное значение в жизни Фрескобальди имел 1608 г. Именно тогда появились первые публикации его сочинений: 3 инструментальные канцоны, Первая книга фантазий (Милан) и Первая книга мадригалов (Антверпен). В том же году Фрескобальди занимает высокий и чрезвычайно почетный пост органиста римского собора Св. Петра, на котором (с небольшими перерывами) композитор оставался практически до конца своих дней. Постепенно росли слава и авторитет Фрескобальди как органиста и клавесиниста, незаурядного исполнителя и изобретательного импровизатора. Параллельно работе в соборе Св. Петра он поступает на службу к одному из богатейших итальянских кардиналов Пьетро Альдобрандини. В 1613 г. Фрескобальди женился на Ореоле дель Пино, которая в ближайшие 6 лет родила ему пятерых детей.

В 1628-34 гг. Фрескобальди работал органистом при дворе тосканского герцога Фердинандо II Медичи во Флоренции, затем продолжал свою службу в соборе Св. Петра. Его слава стала поистине интернациональной. 3 года у него учился крупный немецкий композитор и органист И. Фробергер, многие известные композиторы и исполнители.

Парадоксальным образом мы ничего не знаем о последних годах жизни Фрескобальди, равно как и о его последних музыкальных сочинениях.

Один из современников композитора П. Делла Балле в своем письме в 1640 г. писал, что в современном стиле Фрескобальди стало больше галантности. Поздние музыкальные произведения до сих пор находятся в виде рукописей. Фрескобальди умер в зените славы. Как писали очевидцы, в заупокойной мессе приняли участие самые знаменитые музыканты Рима.

Главное место в творческом наследии композитора занимают инструментальные сочинения для клавесина и органа во всех известных тогда жанрах: канцоны, фантазии, ричеркары, токкаты, каприччио, партиты, фуги (в тогдашнем смысле этого слова, т. е. каноны). В одних господствует полифоническое письмо (напр., в ученом жанре ричеркара), в других (напр., в канцоне) полифонические приемы переплетены с гомофонными (голос и инструментальное аккордовое сопровождение).

Один из самых знаменитых сборников музыкальных произведений Фрескобальди - Музыкальные цветы (издан в Венеции в 1635 г.). В него вошли органные произведения самых различных жанров. Здесь в полной мере проявил себя неповторимый композиторский почерк Фрескобальди, для которого характерна стилистика взволнованного стиля с гармоническими новшествами, разнообразием фактурных приемов, импровизационной свободой, искусством варьирования. Необычной для своего времени была исполнительская трактовка темпа и ритма. В предисловии к одной из книг своих токкат и других сочинений для клавесина и органа Фрескобальди призывает играть... не соблюдая такта... сообразно чувствам или смыслу слов, как это делается в мадригалах. Как композитор и исполнитель на органе и клавире, Фрескобальди оказал огромное влияние на развитие итальянской и, шире, западноевропейской музыки. Особенно велика была его слава в Германии. На сочинениях Фрескобальди учились Д. Букстехуде, И. С. Бах и многие другие композиторы. /С. Лебедев/

ХЕНЦЕ (Henze) Ханс Вернер (р. 1 VII 1926, Гютерсло, Германия)

Театр - это действительно моя область, так как волшебство, магия, маскарад, моление, пафос и буффонада соединяются у меня с музыкой таким образом, что позволяют прояснить то направление, в котором течет жизнь.
X. В. Хенце

Постоянный поиск нового содержания, новых форм и выразительных средств - отличительная особенность искусства современности. Изменчивость, протеизм характерны для многих художников XX в. (И. Стравинский, П. Пикассо). Одним из наиболее ярких современных композиторов подобного склада можно считать X. В. Хенце. Приверженец красоты и пения, певец счастья, Чимароза XX века, он известен как автор многочисленных опер, кантат и вокальных циклов. Эстет, создатель тонких поэтичных образов, он, как и О. Уайльд, не чужд и крайностей эстетизма. Чрезвычайно активный, политически мыслящий музыкант, мечтающий о торжестве идей социализма, Хенце воплощает свои взгляды в музыкальных произведениях, в статьях и интервью, в общественной деятельности.

Детство Хенце пришлось на страшные годы фашизма. Вспоминая юношеские годы, он писал, как трудно было не стать винтиком в адской машине третьего рейха. Начальное музыкальное образование юноша получил в Брауншвейге (1942-44), но занятия были прерваны принудительной мобилизацией. Вскоре Хенце попал в плен к американцам, а в июле 1945 г. уже вернулся домой. Возобновились занятия композицией - в Гейдельберге (у В. Фортнера), Дармштадте и Париже (у Р. Лейбовича). Хенце начал свой путь музыкальным руководителем драматического театра в Констанце (1948-49), затем дирижером и художественным руководителем балетной труппы в Висбадене (195053). Склонность к музыкальному театру выразилась уже в первых его произведениях - в опере Чудесный театр (по М. Сервантесу, 1948, 2-я ред. 1964), радиооперах Сельский врач (по Ф. Кафке, 1949, 2-я ред. 1964), Конец мира (либр. В. Хильдесхаймера, 1953), в балете Идиот (по Ф. Достоевскому, 1952, пост. Т. Гзовской). Вершиной раннего периода творчества Хенце, отмеченного освоением додекафонии, стилей П. Хиндемита и Стравинского, стала опера Бульвар одиночества (по А.-Ф. Прево, 1952), в которой композитор успешно соединил атональную и тональную стилистику с элементами легкой музыки.

В 1953 г., разочарованный политической и художественной обстановкой в ФРГ, Хенце переехал в Италию. В 1962-66 гг. он преподает композицию в Моцартеуме (Зальцбург), в 1967 - в США, с 1966 г. выступает в ГДР как дирижер собственных произведений. Вершинные достижения этого периода - оперы Король-олень (по К. Гоцци, 1956, 2-я ред. 1962), Принц Гамбургский (либр. И. Бахман по пьесе Г. Клейста, 1960), Элегия для молодых влюбленных (либр. У. X. Одена и Ч. Кальмана, 1961), Молодой лорд (либр. И. Бахман по притче В. Гауфа, 1965), Бассариды (либр. У. X. Одена и Ч. Кальмана по трагедии Еврипида Вакханки, 1966), балеты Танцевальный марафон (1957, пост. Л. Висконти), Ундина (по Ф. де ла Мотт-Фуке, 1958, пост. Ф. Эштон), Пятая симфония (1963), кантаты Being beauteous (на ст. А. Рембо, 1963), Музы Сицилии (на ст. Вергилия, 1966), Басни (на ст. У. X. Одена по басням Эзопа, 1967), вокальный цикл Пять неаполитанских песен (1956).

Хенце принял участие в создании коллективной оратории Еврейская хроника (часть Восстание, совм. с Б. Блахером, К. А. Хартманом, П. Дессау, Р. Вагнером-Регени, 1960). Растущий интерес Хенце к политическим событиям современности приводит его к участию в избирательной кампании западногерманских социал-демократов (1965), в студенческом движении протеста в Западном Берлине и в организации конгресса против войны во Вьетнаме (1967-68). Осенью 1967 г., в период подъема студенческого движения, оформился решительный поворот во взглядах Хенце, он сближается с западногерманскими радикальными левыми и левым крылом итальянской Компартии. В 1968 г. вместе с П. Дессау Хенце вышел из членов западноберлинской Академии искусств в знак протеста против непринятия в ее состав М. Теодоракиса, тогда же Хенце стал членом Академии искусств ГДР. Он принимает участие в избирательной кампании ГКП (1974), выступает на X Всемирном фестивале молодежи и студентов в Берлине, совершает несколько поездок на Кубу, организует в 1976 г. ежегодные летние художественные мастерские в Монтепульчано (Италия) для молодых музыкантов и руководит их работой, с 1980 г. преподает композицию в Кельне. Среди его политических сочинений выделяются сценическая оратория Плот Медузы (1968), Опыт о свиньях (на ст. Г. Сальваторе, 1969), концерт для четырех исполнителей Беглый раб (текст X. М. Энценсбергера, 1970), шоу Долгий путь в жилище Наташи - Чудовище (на. ст. Г. Сальваторе, 1971), водевиль Ла Кубана (либр. X. М. Энценсбергера, 1975), Голоса (1973). Хенце тесно сотрудничает с известным английским драматургом Э. Бондом (оперы Мы идем к реке - 1976; Английская кошка - по новелле О. Бальзака, 1983; балет Орфей - 1978). Среди других сочинений этого периода выделяются Шестая симфония (1969), Второй концерт для скрипки с оркестром (1971), оркестровая аллегория Император Гелиогабал (1972), прелюды для фортепиано, оркестра и магнитофона Тристан (1974, пост. как балет), музыка к кинофильму Потерянная честь Катарины Блюм (1975, реж. Ф. Шлендорф), переработки сочинений Кариссими (Йефта, 1976). Ф. Лоренци и Дж. Паизиелло (Дон-Кихот, 1976), Р. Вагнера (Пять стихотворений М. Везендонк, 1977). Во многих европейских городах поставлена опера для детей Полличино (либр. Дж. Ди Лева, 1981).

Ныне Хенце по праву считается одним из известнейших и крупнейших музыкантов ФРГ. В своих эстетических взглядах он ориентируется на идеи нечистой поэзии (П. Неруда), в его стиле соединяется предельное множество пестрых элементов, от электронной музыки и серийности до цитат из классиков и аллюзий современной легкой музыки. Принято говорить в позитивном смысле о виртуозном эклектизме Хенце. Изменение его общественно-политической позиции в 1967-68 гг. не повлияло на музыкальный стиль: стремление быть понятым широкой публикой сочетается у Хенце с эстетскими художественными решениями, с характерно модернистской усложненностью музыкального языка. Тем не менее яркость музыкальных образов, эффектность оркестровых и вокальных средств способствуют большому успеху его музыкально-сценических произведений. /Г. Пантиелев/

ХИНДЕМИТ (Hindemith) Пауль (16 XI 1895, Ханау - 28 XII 1963, Франкфурт-на-Майне)

Удел наш - музыке людских творений
И музыке миров внимать безмолвно.
Сзывать умы далеких поколений
Для братской трапезы духовной.
Г. Гессе

П. Хиндемит - крупнейший немецкий композитор, один из признанных классиков музыки XX в. Будучи личностью универсального масштаба (дирижер, исполнитель на альте и виоле д'амур, теоретик музыки, публицист, поэт - автор текстов собственных произведений) - Хиндемит был столь же универсален в своей композиторской деятельности. Нет такого вида и жанра музыки, который не был бы охвачен его творчеством - будь то философски значительная симфония или опера для дошкольников, музыка для экспериментальных электронных инструментов или пьесы для старинного струнного ансамбля. Нет такого инструмента, который не фигурировал бы в его произведениях в качестве солирующего и на котором он не мог бы сам сыграть (ибо, по свидетельству современников, Хиндемит был одним из немногих композиторов, могущих исполнить почти все партии в своих оркестровых партитурах, отсюда - твердо закрепившееся за ним амплуа всемузыканта - All-raund-musiker). Стремлением к всеохватности отмечен и сам музыкальный язык композитора, впитавший в себя разнообразные экспериментальные течения XX в. и одновременно постоянно устремлявшийся к истокам - к И. С. Баху, позже - к И. Брамсу, М. Регеру и А. Брукнеру. Творческий путь Хиндемита - это путь рождения новой классики: от полемического запала молодости к все более серьезному и вдумчивому утверждению своего художественного кредо.

Начало деятельности Хиндемита совпало с 20-ми гг. - полосой интенсивных поисков в европейском искусстве. Экспрессионистские влияния этих лет (опера Убийца, надежда женщин на текст О. Кокошки) сравнительно быстро уступают место антиромантическим декларациям. Гротеск, пародийность, язвительное осмеяние всяческой патетики (опера Новости дня), альянс с джазом, шумы и ритмы большого города (фортепианная сюита 1922) - все объединялось под общим лозунгом - долой романтизм. Программа действий молодого композитора недвусмысленно отражена в его авторских ремарках - вроде той, которая сопровождает финал альтовой Сонаты ор. 21 Э 1: Темп бешеный. Красота звука - дело второстепенное. Однако уже тогда в сложном спектре стилевых исканий доминирует неоклассическая ориентация. Для Хиндемита неоклассицизм был не только одной из многих языковых манер, но прежде всего - ведущим творческим принципом, поиском прочной и прекрасной формы (Ф. Бузони), потребностью выработать стабильные и надежные нормы мышления, восходящие к старинным мастерам.

Ко второй половине 20-х гг. окончательно формируется индивидуальный стиль композитора. Жестковатая экспрессия хиндемитовской музыки дает повод уподобить ее языку деревянной гравюры. Приобщение к музыкальной культуре барокко, ставшей центром неоклассических пристрастий Хиндемита, выразилось в широком использовании полифонического метода. Фуги, пассакальи, техника линеарного многоголосия насыщают сочинения разных жанров. Среди них - вокальный цикл Житие Марии (на ст. Р. Рильке), а также опера Кардильяк (по новелле Т. А. Гофмана), где самоценность музыкальных законов развития воспринимается как противовес вагнеровской музыкальной драме. Наряду с названными сочинениями к лучшим созданиям Хиндемита 20-х гг. (да, пожалуй, и вообще к лучшим его творениям) относятся циклы камерной инструментальной музыки - сонаты, ансамбли, концерты, где природная предрасположенность композитора мыслить чисто музыкальными концепциями обрела наиболее благодатную почву.

Необычайно продуктивная работа Хиндемита в инструментальных жанрах неотделима от его исполнительского облика. Как альтист, участник знаменитого квартета Л. Амара, композитор концертировал в самых разных странах (в т. ч. в СССР - 1927). Он же являлся в те годы организатором фестивалей новой камерной музыки в Донауэшингене, вдохновляясь звучавшими там новинками и одновременно - определяя общую атмосферу фестивалей в качестве одного из лидеров музыкального авангарда.

В 30-е гг. творчество Хиндемита тяготеет к большей ясности и стабильности: естественную реакцию отстоя бурливших до сей поры экспериментаторских течений переживала тогда вся европейская музыка. Для Хиндемита не последнюю роль здесь сыграли идеи Gebrauchsmusik - музыки быта. Через разнообразные формы любительского музицирования композитор намеревался предотвратить потерю современным профессиональным творчеством массового слушателя. Впрочем, определенная печать самоограничения характеризует отныне не только прикладные и инструктивные его опыты. Идеи общения и взаимопонимания на основе музыки не покидают немецкого мастера и при создании сочинений высокого стиля - так же, как до самого конца он сохраняет веру в добрую волю людей, любящих искусство, в то, что У злых людей нет песен (Bose Menschen haben keine Lleder).

К идеалу гармоничного, классически уравновешенного высказывания Хиндемита вели также поиски научнообъективной основы музыкального творчества, стремление теоретически осмыслить и обосновать извечные законы музыки, обусловленные ее физической природой. Так появилось на свет Руководство по композиции (1936-41) - плод многолетнего труда Хиндемита-ученого и педагога.

Но, быть может, самой главной причиной отхода композитора от самодовлеющих стилистических дерзостей ранних лет послужили новые творческие сверхзадачи. Духовное возмужание Хиндемита стимулировалось самой атмосферой 30-х гг. - сложной и страшной обстановкой фашистской Германии, требовавшей от художника мобилизации всех нравственных сил. Не случайно именно тогда появилась опера Художник Матис - (1938) - глубокая социальная драма, которая воспринималась многими в прямом созвучии с происходящим (красноречивые ассоциации вызывала, например, сцена сожжения лютеранских книг на базарной площади в Майнце). Весьма актуально звучала и сама тема произведения - художник и общество, разработанная на материале легендарной биографии Матиса Грюневальда. Примечательно, что опера Хиндемита была запрещена фашистскими властями и вскоре начала свою жизнь в виде одноименной симфонии (3 части ее носят название картин Изенгеймского алтаря, принадлежащих кисти Грюневальда: Концерт ангелов, Положение во гроб, Искушения cв. Антония).

Конфликт с фашистской диктатурой стал причиной длительной и безвозвратной эмиграции композитора. Однако, живя многие годы вдали от родины (в основном в Швейцарии и США), Хиндемит оставался верен исконным традициям немецкой музыки, равно как и избранному композиторскому пути. В послевоенные годы он продолжает отдавать предпочтение инструментальным жанрам (создаются Симфонические метаморфозы тем Вебера, симфонии Питтсбургская и Serena, новые сонаты, ансамбли, концерты). Наиболее значительнее произведение Хиндемита последних лет - симфония Гармония мира (1957), возникшая на материале одноименной оперы (которая рассказывает о духовных исканиях астронома И. Кеплера и о его нелегкой судьбе). Сочинение венчается величественной пассакалией, изображающей хоровод небесных светил и символизирующей гармонию мироздания.

Верой в эту гармонию - вопреки хаосу реальной жизни - проникнуто все позднее творчество композитора. Все настойчивее звучит в нем проповеднически-охранительный пафос. В книге Мир композитора (1952) Хиндемит объявляет войну современной индустрии развлечений, а с другой стороны - элитарному технократизму новейшей авангардной музыки, в равной степени враждебным, по его мнению, истинному духу творчества. Охранительство Хиндемита имело явные издержки. Его музыкальный стиль 50-х гг. чреват подчас академической нивелировкой; не свободны от дидактики и критические выпады композитора. И все же именно в этой тяге к гармонии, испытывающей - притом и в собственной музыке Хиндемита - немалую силу сопротивления, заключен главный нравственно-эстетический нерв лучших созданий немецкого мастера. Здесь он остался последователем великого Баха, откликаясь в то же время на все больные вопросы бытия. /Т. Левая/

ШАБРИЕ (Chabrier) Эмануэль (Emmanuel) (18 I 1841 Амбер - 13 IX 1894, Париж)

Французский композитор. Получил юридическое образование. Еще будучи студентом, входил в кружок любителей музыки, преклонявшихся перед Вагнером (членами кружка также были В. д'Энди и М. Дюпарк). В 1870-х годах начал серьезно заниматься музыкой; его педагогами были Т. Семе, А. Гиньяр (композиция), Э. Вольф (фортепиано). В 1877 году в Париже было исполнено первое крупное произведение Шабрие - оперетта "Звезда". С 1879 года он всецело отдается музыке; вскоре выходит его фортепианный цикл "Живописные пьесы" (10 №№; 4 из них в 1891 были оркестрованы и составили "Пасторальную сюиту"). Под впечатлением путешествия по Испании Шабрие пишет оркестровую рапсодию "Испания", с успехом исполненную в 1883 году в парижских концертах Ламуре, и "Хабанеру" для фортепиано. В 1884-1885 годах работал хормейстером концертов Ламуре. Под влиянием Вагнера Шабрие пишет героическую оперу "Гвендолина" (пост. 1866). Лучшее в творчестве Шабрие - оркестровая и фортепианная музыка, благодаря свежим оркестровым краскам, яркой эмоциональности послужившая образцом для "испанских" произведений не только во Франции. Из фортепианных пьес Шабрие интерес представляет своеобразное "Фантастическое бурре" (1891; оркестровано Ф. Мотлем), "Хабанера" (1885), "Три романтических вальса" для 2 фортепиано (1883; оркестрованы Ф. Мотлем). Многие французские композиторы начала 20 века, как Равель и члены группы "Шестерка", высоко ценили творчество Шабрие, однако не признавая его "вагнерианство" в опере. /М. Ю. Миркин/

ШЁНБЕРГ (Schonberg) Арнольд (Arnold) (1874-1951)

Один из своеобразнейших композиторов первой половины ХХ века, родился 13 сентября1874 года в Вене в небогатой семье коммерсанта. Его отец умер, когда Арнольду было восемь лет, и материальное положение семьи стало очень тяжелым. Мальчик сам выучился играть на скрипке и виолончели, начал сочинять музыку. Гимназию посещал до шестого класса, после чего был вынужден занять должность мелкого служащего в банке. Решающую роль в жизни Шенберга сыграла встреча с композитором и дирижером А. Цемлинским (1895), который увидел в нем бесспорный талант и вызвался бесплатно обучать его контрапункту. Эти занятия, продолжавшиеся несколько месяцев, были единственными в жизни Шенберга. В остальном он был полным самоучкой.

Первое крупное сочинение - "Песни Гурре" - Шенберг начал писать в 1900 году. В это время он руководит тремя рабочими хорами в пригородах Вены, но нужда не прекращается, и он вынужден заняться оркестровкой чужих оперетт. Позднее он подсчитал, что наоркестровал свыше шести тысяч страниц чужих партитур. Работа над собственным сочинением была прервана на десять лет. "Песни Гурре" были закончены в 1911 году и впервые исполнены в 1913-м. Произведение это доставило автору мировую известность.

В 1903 году Шенберг встретился с Малером. Это стало центральным событием его биографии. "Малер как бы открыл перед Шенбергом конечную цель музыки и заговорил о достоинстве музыки настоящим языком", - пишет первый русский биограф Шенберга И. Соллертинский. С того же года, попеременно в Вене и Берлине, начинается теоретическая и педагогическая деятельность Шенберга. Вокруг него формируется круг учеников, наиболее известны из которых Веберн и Берг. Примерно до 1907 года Шенберг находится под явственным влиянием музыки Вагнера, но далее происходит поворот: появляются атональные сочинения - Пять пьес для оркестра, монодрама "Ожидание" (оба 1909) и "Лунный Пьеро" (1911 - 1912) - мелодрама с мелодически фиксированной декламацией в сопровождении инструментального ансамбля.

Музыку Шенберга отличает обостренная выразительность, экспрессивность. Она насыщена диссонансами, привычная для прошлых веков мелодичность отсутствует. В 1911 году выходит его теоретический труд "Учение о гармонии", содержащий обоснование для упразднения принципа тональности и утверждения двенадцатитоновой системы (додекафонии), изобретения Шенберга, которое оказало огромное влияние на развитие музыки в ХХ веке. Первое полностью додекафонное сочинение композитора - Сюита для фортепиано (1921 - 1923). Наиболее значительное из произведений этого рода - Вариации для оркестра (1926 - 1928). С 1925 года Шенберг являлся профессором композиции Прусской академии искусств в Берлине, но в 1933 году, с приходом к власти фашистов, был уволен как еврей. Он уехал - сначала во Францию, а в 1934 году в США, где работал одновременно в Нью-Йорке и Бостоне. В 1940 году он принял гражданство США. Произведением огромной силы воздействия стала кантата Шенберга "Уцелевший из Варшавы" для чтеца, хора и оркестра (1947), текст которой воспроизводит рассказ одного из немногих евреев, оставшихся живыми после трагедии варшавского гетто.

Шенберг скончался 13 июля 1951 года в Лос-Анджелесе. Кроме указанных выше сочинений он написал оперы "Счастливая рука" (1913), "С сегодня на завтра" (1929), "Моисей и Аарон" (не окончена), оратории "Лестница Иакова" (не окончена), "Кол нидре" (1938) и "Прелюдия" (1945), песни для голоса с оркестром, голоса с инструментальным ансамблем и голоса с фортепиано, 2 камерные симфонии, пьесы для камерно-инструментальных ансамблей и для фортепиано, хоры а сарреllа и др.

ШОПЕН (Chopin) Фридерик (1810-1849)

Родился 22 февраля 1810 года в деревне Желязова Воля, близ Варшавы. Отец его, Никола Шопен, француз из Нанси, женатый на польке Юстине Крыжановской, был гувернером в доме графини Скарбек, владелицы Желязовой Воли. В 1810 году он получил место учителя французского языка во вновь открытой в Варшаве гимназии, а в 1812-м - такое же место в артиллерийском училище. Н. Шопен брал к себе пансионерами сыновей богатых аристократов, и его сын, войдя с ними в дружбу, начал вращаться в лучших польских домах, благодаря чему получил блестящее светское воспитание. Музыкальные дарования Фридерика обнаружились весьма рано; его первоначальными музыкальными занятиями руководил В. Живный, а позднее - директор Варшавской консерватории, известный композитор и педагог И. Эльснер. Большую роль в воспитании Шопена сыграл князь Антон Радзивилл, оказавший мальчику материальную поддержку и тем давший ему возможность завершить свое музыкальное и научное образование.

В 1827 году Шопен окончил гимназию; успехи в игре на фортепиано и композиции были такими, что юноша прослыл за гения. Он начал выступать в благотворительных концертах; вместе с тем появляются в печати его сочинения (рондо с-moll и F-dur).

В 1829 году Шопен решается поехать в Вену, и благодаря протекции графа Галленберга ему удается устроить там два концерта, в которых, между прочим, он исполняет свои сочинения(Вариации на "Дон Жуана" и Краковяк). Блестящая игра и талантливые импровизации Шопена вызывают восторг у публики. Счастливый своим успехом, молодой композитор возвращается в Варшаву и здесь дает два концерта, в которых впервые исполняет свои фортепианные концерты (е-moll и f-moll) и фантазию. В ноябре 1830 года, за несколько недель до взрыва польского восстания, Шопен покидает Варшаву, чтобы уже никогда больше не вернуться на родину. Он направляется в Вену, намереваясь проехать оттуда в Италию, но плану этому не суждено было осуществиться, и Шопен отправляется в Париж, дав по дороге концерт в Мюнхене. В 1831 году он приезжает в Париж. Первый его концерт проходит с громадным успехом, и Шопен попадает в общество художников и литераторов. Выступая часто в концертах, он вскоре приобретает известность, а вместе с нею и массу уроков в лучших аристократических домах.

Вокруг Шопена образовался кружок друзей и почитателей, среди которых были Лист, Берлиоз, Гейне, Бальзак, Эрнст, Мейербер и др. Отправившись в 1835 году в Карлсбад для свидания со своими родителями (свидание это было последним), Шопен остановился на несколько дней в Лейпциге и здесь познакомился с Шуманом и Мендельсоном, с которыми у него завязались тесные дружеские отношения. В Париже он ближе всего сошелся с Листом, который с увлечением начал пропагандировать его сочинения. В 1836 году Лист познакомил Шопена с Жорж Санд, имевшей громадное значение в дальнейшей жизни композитора.

Здоровье Шопена, слабое изначально, пошатнулось в 1838 году, во время неудачной поездки на Мальорку. У него была найдена чахотка. Однако Шопен продолжал напряженно работать. В 1848 году он отправился концертировать в Англию и Шотландию. Утомительное путешествие и волнения концертанта окончательно подорвали его здоровье, и он возвратился в Париж совсем больной. Последние месяцы своей жизни

Шопен был окружен нежными заботами своей сестры Луизы, поспешившей к нему из Варшавы, и попечениями многих его учениц и почитательниц, в том числе княгини Чарторыйской и графини Потоцкой. 17 октября 1849 года Шопен скончался. По желанию композитора, выраженному на смертном одре, сердце его было перевезено сестрой в Варшаву и замуровано в колонне костела Св. Креста. Шопен был погребен на кладбище Пер-Лашез рядом с Керубини, Беллини и Буальдье.

Шопен был исключительной поэтической натурой. Как Гейне в стихах, он был поэтом в музыкальных звуках. Отличительные черты его музыки - нежность и мечтательность, но в некоторых своих произведениях он проявляет громадную силу, мощь и страстные порывы. Шопен является вполне самобытным и оригинальным композитором, продолжая во всех своих сочинениях держаться на одной и той же художественно-законченной высоте. В фортепианной музыке он создал совершенно новый етиль, дотоле неизвестный, и новое направление в фортепианной литературе. Шопен писал исключительно для фортепиано и для ансамбля с фортепиано. К числу его произведений принадлежат 2 сонаты для фортепиано с виолончелью и Фортепианное трио; 2 концерта, Краковяк, ор. 14, Es-dur'ный полонез, ор. 22, и фантазии, ор. 2 и ор. 13, для фортепиано с оркестром. Большая часть сочинений Шопена написана для одного фортепиано: 3 сонаты, 4 баллады, 12 полонезов, 25 прелюдий, 4 фантазии, 52 мазурки; 19 ноктюрнов, 13 вальсов, 27 этюдов и др. Кроме того, Шопен оставил 16 песен.

пред.страница

след.страница

назад (back)