Популярный справочник. Творческие портреты композиторов (Фрагменты)
М., "Музыка", 1990
пред.страница

след.страница

БАХ (Bach) Карл Филипп Эмануэль (8 III 1714, Веймар - 14 XII 1788, Гамбург)

Из фортепианных сочинений Эмануила Баха у меня имеется лишь несколько вещей, и некоторые из них несомненно должны служить каждому подлинному художнику не только в качестве предмета высокого наслаждения, но и как материал для изучения.
Л. Бетховен. Письмо Г. Гертелю 26 июля 1809 г.

Из всего рода Бахов лишь Карл Филипп Эмануэль, второй сын И. С. Баха, и его младший брат Иоганн Кристиан добились при жизни звания великий. Хотя история вносит свои коррективы в оценку современниками значительности того или иного музыканта, ныне никто не оспаривает роли Ф. Э. Баха в процессе становления классических форм инструментальной музыки, достигшего вершины в творчестве И. Гайдна, В. А. Моцарта и Л. Бетховена. Сыновьям И. С. Баха было суждено жить в переходную эпоху, когда в музыке намечались новые пути, связанные с поисками ее внутренней сущности, самостоятельного места среди других искусств. В этот процесс были вовлечены многие композиторы Италии, Франции, Германии и Чехии, чьи усилия подготовили искусство венских классиков. И в этом ряду ищущих художников особенно выделяется фигура Ф. Э. Баха.

Главную заслугу Филиппа Эмануэля современники видели в создании выразительного или чувствительного стиля клавирной музыки. Патетику его Сонаты фа минор впоследствии находили созвучной художественной атмосфере Бури и натиска. Слушателей трогали взволнованность и изящество сонат и импровизационных фантазий Баха, говорящие мелодии, экспрессивная манера игры автора.

Первым и единственным учителем музыки Филиппа Эмануэля был отец, который, впрочем, не считал нужным специально готовить к карьере музыканта сына-левшу, игравшего только на клавишных инструментах (более подходящего преемника Иоганн Себастьян видел в своем первенце - Вильгельме Фридемане). По окончании лейпцигской школы Св. Фомы Эмануэль изучал право в университетах Лейпцига и Франкфурта на Одере.

К этому времени он уже автор множества инструментальных сочинений, в т. ч. пяти сонат и двух концертов для клавира. Окончив университет в 1738 г., Эмануэль без колебаний посвящает себя музыке и в 1741 г. получает место клавесиниста в Берлине, при дворе недавно восшедшего на престол Фридриха II прусского. Король слыл в Европе просвещенным монархом; как и его младшая современница, российская императрица Екатерина II, Фридрих переписывался с Вольтером, покровительствовал искусствам.

Вскоре после его коронации в Берлине был выстроен оперный театр. Однако вся придворная музыкальная жизнь до мелочей регламентировалась вкусами короля (вплоть до того, что во время оперных спектаклей король самолично следил за исполнением по партитуре - через плечо капельмейстера). Вкусы же эти были своеобразны: коронованный меломан не терпел церковной музыки и фугированных увертюр, всем родам музыки он предпочитал итальянскую оперу, всем видам инструментов - флейту, всем флейтам - свою флейту (ею, по отзыву Баха, видимо, н ограничивались истинные музыкальные привязанности короля). Известный флейтист И. Кванц написал для своего августейшего ученика около 300 концертов для флейты; каждый вечер в течение года король во дворце Сан-Суси исполнял их все (иногда также и свои сочинения), непременно в присутствии придворных. Обязанностью Эмануэля было аккомпанировать королю. Эта однообразная служба лишь изредка прерывалась какими-либо происшествиями. Одним из них был приезд в 1747 г. к прусскому двору И. С. Баха. Будучи уже пожилым, он своим искусством клавирной и органной импровизации буквально потряс короля, который по случаю приезда старого Баха отменил свой концерт. После смерти отца Ф. Э. Бах бережно хранил доставшиеся ему по наследству рукописи.

Творческие достижения самого Эмануэля Баха в Берлине весьма внушительны. Уже в 1742-44 гг. были изданы 12 сонат для клавесина (Прусские и Вюртембергские), 2 трио для скрипок и баса, 3 клавесинных концерта; в 1755-65 - 24 сонаты (всего ок. 200) и пьесы для клавесина, 19 симфоний, 30 трио, 12 сонатин для клавесина с аккомпанементом оркестра, ок. 50 концертов для клавесина, вокальные сочинения (кантаты, оратории). Наибольшую ценность представляют клавирные сонаты - этому жанру Ф. Э. Бах уделял особое внимание. Образная яркость, творческая свобода композиции его сонат свидетельствуют как о новаторстве, так и об использовании музыкальных традиций недавнего прошлого (так, импровизационность - отголосок органного письма И. С. Баха). Тем новым, что внес Филипп Эмануэль в клавирное искусство, был особый тип лирической кантиленной мелодики, близкий художественным принципам сентиментализма. Среди вокальных сочинений берлинского периода выделяется Магнификат (1749), родственный одноименному шедевру И. С. Баха и в то же время некоторыми темами предвосхищающий стиль В. А. Моцарта.

Обстановка придворной службы несомненно тяготила берлинского Баха (как со временем стали называть Филиппа Эмануэля). Его многочисленные сочинения не были оценены по достоинству (король предпочитал им менее оригинальную музыку Кванца и братьев Граунов). Пользуясь уважением среди крупных представителей интеллигенции Берлина (в их числе - основатель берлинского литературно-музыкального клуба X. Г. Краузе, музыкальные ученые И. Кирнбергер и Ф. Марпург, писатель и философ Г. Э. Лессинг), Ф. Э. Бах в то же время не находил в этом городе применения своим силам. Единственный его труд, получивший признание в те годы, - теоретический: Опыт истинного искусства игры на клавире (1753-62). В 1767 г. Ф. Э. Бах с семьей переехал в Гамбург и до конца жизни обосновался там, заняв по конкурсу пост городского музикдиректора (после смерти Г. Ф. Телемана, своего крестного отца, долгое время находившегося на этой должности). Став гамбургским Бахом, Филипп Эмануэль добился полного признания, такого, которого ему не хватало в Берлине. Он возглавляет концертную жизнь Гамбурга, руководит исполнением своих сочинений, в частности хоровых. К нему приходит слава. Однако невзыскательность, провинциальность гамбургских вкусов огорчает Филиппа Эмануэля. Гамбург, некогда знаменитый своей оперой, первой и наиболее прославленной в Германии, стал музыкальной Беотией, - пишет Р. Роллан. - Филипп Эмануэль Бах чувствует себя в нем потерянным. Когда Берни посещает его, Филипп Эмануэль говорит ему: "Вы приехали сюда на пятьдесят лет позже, чем следовало бы". Это естественное чувство досады не могло омрачить последние десятилетия жизни Ф. Э. Баха, ставшего всемирной знаменитостью. В Гамбурге с новой силой проявился его талант композитора-лирика и исполнителя собственной музыки. В патетических и медленных частях всякий раз, когда ему надо было придать выразительность долгому звуку, он умудрялся извлекать из своего инструмента буквально вопли скорби и жалобы, какие только возможно получить на клавикорде и, вероятно, только ему одному, - писал Ч. Берни. Филиппом Эмануэлем восхищался Гайдн, а современники оценивали обоих мастеров как равных. В действительности многие творческие находки Ф. Э. Баха были подхвачены Гайдном, Моцартом и Бетховеном и подняты до высочайшего художественного совершенства. /Д. Чехович/

БЕЛЛИНИ (Bellini) Винченцо (3 XI 1801, Катания, Сицилия - 23 IX 1835, Пюто, близ Парижа)

...Он богат чувством печали, чувством индивидуальным, ему одному присущим!
Дж. Верди

Итальянский композитор В. Беллини вошел в историю музыкальной культуры как выдающийся мастер бельканто, что в переводе с итальянского означает прекрасное пение. На обороте одной из золотых медалей, выпущенных еще при жизни композитора в его честь, краткая надпись гласила: Творец итальянских мелодий. Его славу не мог затмить даже гений Дж. Россини. Необыкновенный мелодический дар, которым обладал Беллини, позволил ему создать самобытные и исполненные сокровенного лиризма интонации, способные воздействовать на самый широкий круг слушателей. Музыку Беллини, несмотря на отсутствие в ней всестороннего мастерства, любили П. Чайковский и М. Глинка, Ф. Шопен и Ф. Лист создали ряд произведений на темы из опер итальянского композитора. В его произведениях блистали такие выдающиеся певцы XIX в., как П. Виардо, сестры Гризи, М. Малибран, Дж. Паста, Дж. Рубини А. Тамбурини и др. Беллини родился в семье музыкантов. Музыкальное образование он получил в неаполитанской консерватории Сан-Себастьяно. Ученик известного тогда композитора Н. Цингарелли, Беллини очень скоро начал искать свой путь в искусстве. И его короткая, всего лишь десятилетняя (1825-35) композиторская деятельность стала особой страницей в итальянской опере.

В отличие от прочих итальянских композиторов Беллини был совершенно равнодушен к опере-buffa, этому излюбленному национальному жанру. Уже в первом произведении - опере Адельсон и Сальвини (1825), с которым он дебютировал в консерваторском театре Неаполя, ярко проявилось лирическое дарование композитора. Имя Беллини приобрело широкую известность после постановки оперы Бианка и Фернандо неаполитанским театром Сан-Карло (1826). Затем с огромным успехом в миланском театре Ла Скала проходят премьеры опер Пират (1827) и Чужестранка (1829). С восторгом встречает публика спектакль Капулети и Монтекки (1830), впервые поставленный на сцене венецианского театра Фениче. В этих произведениях нашли горячее и искреннее выражение патриотические идеи, созвучные новой волне национально-освободительного движения, начавшейся в Италии в 30-е гг. прошлого века. Поэтому многие премьеры опер Беллини сопровождались патриотическими манифестациями, а мелодии из его произведений напевали на улицах итальянских городов не только завсегдатаи театров, но и мастеровые, рабочие, дети.

Слава композитора еще больше упрочилась после создания опер Сомнамбула (1831) и Норма (1831), она выходит за пределы Италии. В 1833 г. состоялась поездка композитора в Лондон, где он с успехом дирижировал своими операми. Впечатление, производимое его сочинениями на И. В. Гете, Ф. Шопена, Н. Станкевича, Т. Грановского, Т. Шевченко, свидетельствует об их значительном месте в европейском искусстве XIX столетия.

Незадолго до смерти Беллини переехал в Париж (1834). Там для Итальянского оперного театра он создал свое последнее произведение - оперу Пуритане (1835), о премьере которой дал блестящий отзыв Россини.

По количеству созданных опер Беллини уступает Россини и Г. Доницетти - перу композитора принадлежит 11 музыкально-сценических произведений. Он работал не так легко и быстро, как его прославленные соотечественники. Во многом это было связано с методом работы Беллиня, о котором он рассказывает в одном из своих писем. Вчитывание в либретто, проникновение в психологию персонажей, актерское перевоплощение в характер, поиск речевого, а затем музыкального выражения чувств - таков путь, начертанный композитором.

В создании романтической музыкальной драмы подлинным единомышленником Беллини оказался поэт Ф. Романи, ставший его постоянным либреттистом. В содружестве с ним композитор добивался естественности воплощения речевых интонаций. Беллини великолепно знал специфику человеческого голоса. Вокальные партии его опер чрезвычайно естественны и удобны для пения. Они наполнены широтой дыхания, непрерывностью мелодического развития. В них отсутствуют излишние украшения, ибо смысл вокальной музыки композитор видел не в виртуозных эффектах, но в передаче живых человеческих эмоций. Считая своей главной задачей создание прекрасных мелодий и выразительного речитатива, Беллини не придавал большого значения оркестровому колориту и симфоническому развитию. Однако, несмотря на это, композитор сумел поднять итальянскую лирико-драматическую оперу на новый художественный уровень, во многом предвосхитив достижения Дж. Верди и итальянских веристов. В фойе миланского театра Ла Скала стоит мраморная фигура Беллини, на его родине, в Катании, оперный театр носит имя композитора. Но главный памятник себе создал сам композитор - им стали его чудесные оперы, которые и по сей день не сходят со сцен многих музыкальных театров мира. /И. Ветлицына/

БЕРГ (Berg) Альбан (9 II 1885, Вена - 24 XII 1935, там же)

Душа, как ты становишься прекрасней, глубже после снежных бурь.
П. Альтенберг

А. Берг - один из классиков музыки XX в. - принадлежал к так называемой нововенской школе, сложившейся в начале столетия вокруг А. Шенберга, куда входили также А. Веберн, Г. Эйслер и др. Берга, как и Шенберга, принято относить к направлению австро-немецкого экспрессионизма (причем к его наиболее радикальной ветви) благодаря его поискам крайней степени выразительности музыкального языка. Оперы Берга в связи с этим называли драмами крика. Берг явился одним из характерных выразителей ситуации своего времени - трагически-кризисного состояния буржуазного общества периода первой мировой войны и годов, предшествующих наступлению в Европе фашизма. Его творчеству присущи социально-критический настрой, обличение цинизма буржуазных нравов, подобно фильмам Ч. Чаплина, острое сочувствие маленькому человеку. Ощущение беспросветности, тревоги, трагизма типично для эмоциональной окраски его сочинений. Вместе с тем Берг - вдохновенный лирик, сохранивший в XX в. романтический культ чувства, в такой степени свойственный прошедшему XIX столетию. Волны лирических нарастаний и спадов, широкое дыхание большого оркестра, заостренная экспрессия струнных инструментов, интонационная напряженность, пение, насыщенное множеством выразительных нюансов, составляют специфику звучания его музыки, и эта полнота лирики противостоит безнадежности, гротеску и трагизму.

Берг родился в семье, где любили книги, увлекались игрой на рояле, пением. Старший брат Чарли занимался вокалом, и это дало повод юному Альбану сочинять многочисленные песни с сопровождением фортепиано. Желая получить профессиональное образование по музыкальной композиции, Берг стал обучаться под руководством Шенберга, пользовавшегося репутацией педагога-новатора. Он учился на классических образцах, приобретая в то же время умение использовать новую технику для новых типов выразительности. Собственно обучение длилось с 1904 по 1910 г., в дальнейшем это общение переросло в теснейшую творческую дружбу на всю жизнь. Среди первых самостоятельных по стилю сочинений Берга - Соната для фортепиано, окрашенная мрачным лиризмом (1908). Однако первые исполнения сочинений не вызывали сочувствия слушателей; у Берга, так же как у Шенберга и Веберна, возникал разрыв между их левыми устремлениями и классическими вкусами публики.

В 1915-18 гг. Берг служил в армии. По возвращении он принимал участие в работе Общества частных исполнений, писал статьи, был популярен как педагог (к нему обращался, в частности, известный немецкий философ Т. Адорно). Произведением, которое принесло композитору всемирное признание, стала опера Воццек (1921), премьера которой (после 137 репетиций) состоялась в 1925 г. в Берлине. В 1927 г. опера была поставлена в Ленинграде, и автор приезжал на премьеру. На его родине исполнение Воццека вскоре было запрещено - мрачная атмосфера, порождавшаяся ростом немецкого фашизма, трагически сгущалась. В процессе работы над оперой Лулу (по пьесам Ф. Ведекинда Дух земли и Ящик Пандоры) он увидел, что о ее постановке на сцене не может быть и речи, произведение осталось незаконченным. Остро ощущая враждебность окружающего мира, Берг написал в год смерти свою лебединую песню - Концерт для скрипки Памяти ангела.

За 50 лет своей жизни Берг создал сравнительно немного произведений. Наиболее знаменитыми из них стали опера Воццек и Концерт для скрипки с оркестром; много исполняются также опера Лулу; Лирическая сюита для квартета (1926); Соната для фортепиано; Камерный концерт для фортепиано, скрипки и 13 духовых инструментов (1925), концертная ария Вино (на ст. Ш. Бодлера в переводе С. Георге - 1929).

В своем творчестве Берг создал новые типы оперного спектакля и инструментальных произведений. Опера Воццек была написана по драме Г. Бюхнера Войцек. В мировой оперной литературе не было примера сочинения, героем которого стал маленький, забитый человек, действующий в повседневной обстановке, вычерченный со столь же поразительной рельефностью (М. Тараканов). Денщику Воццеку, над которым куражится его капитан, проводит шарлатанские опыты маньяк-доктор, изменяет единственное дорогое существо- Мари. Лишившись последней надежды в своей обездоленной жизни, Воццек убивает Мари, после чего и сам гибнет в болотной топи. Воплощение такого сюжета стало актом острейшего социального обличения. Сочетание в опере элементов гротеска, натурализма, возвышающей лирики, трагических обобщений потребовало разработки новых типов вокального интонирования - различных видов речитатива, приема, промежуточного между пением и речью (Sprechstimme), характерных интонационных изломов мелодии; гипертрофии музыкальных черт бытовых жанров - песни, марша, вальса, польки и др. с сохранением при этом широкого полнозвучия оркестра. О соответствии в Воццеке музыкального решения идейному замыслу писал Б. Асафьев: ...Я не знаю иной современной оперы, которая сильнее, чем "Воццек", подкрепила бы социальное предназначение музыки как непосредственного языка чувств, особенно при таком изумительном сюжете, как драма Бюхнера, и при таком умном и проницательном охвате сюжета музыкой, как это удалось сделать Бергу.

Концерт для скрипки с оркестром стал новой ступенью в истории этого жанра - ему придан трагический характер реквиема. Концерт был написан под впечатлением смерти восемнадцатилетней девушки, поэтому он получил посвящение Памяти ангела. Разделы концерта отражают образы короткой жизни и быстрой смерти юного существа. Прелюдия передает ощущение зыбкости, хрупкости и некоторой отрешенности; Скерцо, символизирующее радости жизни, построено на отзвуках вальсов, лендлеров, содержит народную каринтийскую мелодию; Каденция воплощает крушение жизни, приводит к яркой экспрессионистической кульминации сочинения; Хоральные вариации ведут к очищающему катарсису, который символизирует цитата хорала И. С. Баха (из духовной кантаты Э 60 Es ist genug).

Творчество Берга оказало огромное влияние на композиторов XX в. и, в частности, на советских - Д. Шостаковича, К. Караева, Ф. Караева, А. Шнитке и др. /В. Холопова/

БЕРЕЗОВСКИЙ Максим Созонтович (27 X 1745(?), Глухов - 2 IV 1777, Петербург)

Творчество выдающегося русского композитора второй половины XVIII в. М. Березовского наряду с творчеством его знаменитого современника Д. Бортнянского ознаменовало наступление нового, классицистского этапа в музыкальном искусстве России.

Композитор родился на Черниговщине. Первоначальное музыкальное образование предположительно получил в глуховской музыкальной школе, славившейся певческими традициями, и затем продолжил его в Киевской духовной академии. По приезде в Петербург (1758) юноша благодаря своему прекрасному голосу был определен в штат музыкантов наследника престола Петра Федоровича, где стал получать уроки по композиции у Ф. Цопписа и по вокалу у итальянского педагога Нунциани. На рубеже 1750-60-х гг. Березовский уже исполнял ответственные партии в операх Ф. Арайи и В. Манфредини, шедших на придворной сцене, соперничая в мастерстве и виртуозности с лучшими итальянскими певцами. После дворцового переворота 1762 г. Березовский, как и другие артисты из штата Петра III, был переведен Екатериной II в итальянскую труппу. В октябре 1763 г. композитор женился на танцовщице труппы Франциске Ибершер. Выступая с сольными партиями в оперных спектаклях, Березовский пел также и в Придворном хоре, что обусловило интерес композитора к хоровым жанрам. По свидетельству биографа П. Воротникова, его первые духовные концерты (Приидите и видите, Вси языцы, Тебе бога хвалим, Господь воцарися, Хвалите господа с небес) показали его исключительное дарование и хорошее знание законов контрапункта и гармонии. В мае 1769 г. Березовский был направлен для совершенствования профессионального мастерства в Италию. В знаменитой Болонской академии, по преданию, он занимался под руководством выдающегося теоретика и педагога падре Мартини.

15 мая 1771 г., немногим позже В. А. Моцарта, выдержав вместе с чешским композитором И. Мысливечеком экзамен, Березовский был принят в число членов Академии. В 1773 г. по заказу для Ливорно он создал свою первую и, вероятно, единственную оперу Демофонт, успех которой был отмечен в ливорнской газете: Среди спектаклей, показанных во время последнего карнавала, надо отметить оперу, сочиненную регентом русской капеллы, состоящим на службе у Ее величества императрицы всея России, синьором Максимом Березовским, который соединяет живость и хороший вкус с музыкальным знанием. Опера Демофонт подвела итог итальянскому периоду жизни Березовского - 19 октября 1773 г. он покинул Италию.

Вернувшись в Россию в расцвете творческих сил, Березовский не встретил должного отношения к своему таланту при дворе. Судя по архивным документам, композитор так и не был определен на службу, соответствующую званию члена Болонской академии. Сблизившись с Г. Потемкиным, Березовский некоторое время рассчитывал на должность в предполагаемой Музыкальной академии на юге страны (кроме Березовского князь собирался также привлечь Дж. Сарти и И. Хандошкина). Но проект Потемкина так и не был осуществлен, и Березовский продолжал работать в капелле в качестве рядового служащего. Безысходность положения, личное одиночество композитора в последние годы привели к тому, что, заболев горячкою в марте 1777 г., Березовский в одном из приступов болезни покончил жизнь самоубийством.

Драматична судьба творческого наследия композитора: большинство произведений, звучавших на протяжении всего XIX в., оставались в рукописях долгое время и хранились в Придворной капелле. В начале нашего столетия они были безвозвратно утрачены. Из инструментальных произведений Березовского известна одна Соната для скрипки и чембало до мажор. Утеряна партитура оперы Демофонт, поставленной в Италии: до наших дней дошли только 4 арии. Среди многочисленных духовных сочинений сохранились лишь Литургия и несколько духовных концертов. Среди них - Господь воцарися, являющийся наиболее ранним образцом классицистского хорового цикла в России, и Не отвержи мене во время старости, ставший кульминацией творчества композитора. Этот концерт по сравнению с другими произведениями последних лет имеет более счастливую судьбу. Благодаря своей популярности он получил широкое распространение и был дважды напечатан в первой половине XIX в. (1818, 1841).

Влияние мелодики, полифонической техники, гармонии и образного строя концерта прослеживается в творчестве младших современников Березовского - Бортнянского, С. Дегтярева, А. Веделя. Будучи истинным шедевром музыкального искусства, концерт Не отвержи знаменует собой наступление классического этапа в развитии отечественного хорового творчества.

Даже единичные образцы творчества Березовского позволяют говорить о широте жанровых интересов композитора, об органичном соединении в его музыке национальной мелодики с общеевропейскими приемами и формами развития. /А. Лебедева/

БЕРЛИОЗ (Berlioz) Гектор Луи (11 XII 1803, Ла-Кот-Сент-Андре, деп. Изер - 8 III 1869, Париж)

Да вьется вокруг цепи правил серебряная нить фантазии.
Р. Шуман

Г. Берлиоз принадлежит к числу величайших композиторов и величайших новаторов XIX в. Он вошел в историю как создатель программного симфонизма, оказавшего глубокое и плодотворное влияние на все последующее развитие романтического искусства. Для Франции с именем Берлиоза связано рождение национальной симфонической культуры. Берлиоз - музыкант широкого профиля: композитор, дирижер, музыкальный критик, отстаивавший передовые, демократические идеалы в искусстве, порожденные духовной атмосферой Июльской революции 1830 г.

Детство будущего композитора протекало в благоприятной атмосфере. Отец - врач по профессии - прививал сыну вкус к литературе, искусству, философии. Под влиянием атеистических убеждений отца, его прогрессивных, демократических взглядов складывалось мировоззрение Берлиоза. Но для музыкального развития мальчика условия провинциального городка были очень скромны. Он учился игре на флейте и гитаре, а единственным музыкальным впечатлением было церковное пение - воскресные торжественные мессы, которые он очень любил. Тяга Берлиоза к музыке проявилась в попытке сочинять. Это были небольшие пьесы и романсы. Мелодия одного из романсов впоследствии вошла в качестве лейттемы в Фантастическую симфонию.

В 1821 г. Берлиоз едет в Париж по настоянию отца поступать в Медицинскую школу. Но медицина не привлекает юношу. Увлеченный музыкой, он мечтает о профессиональном музыкальном образовании. В конце концов Берлиоз принимает самостоятельное решение бросить науку ради искусства, и этим навлекает на себя гнев родителей, не считавших музыку достойной профессией. Они лишают сына всякой материальной поддержки, и отныне будущий композитор может рассчитывать только на самого себя. Однако, веря в свое предназначение, он все силы, энергию и увлеченность обращает на самостоятельное овладение профессией. Живет он подобно бальзаковским героям впроголодь, в мансардах, однако в опере не пропускает ни одного спектакля и все свободное время проводит в библиотеке, штудируя партитуры.

С 1823 г. Берлиоз начинает брать частные уроки у Ж. Лесюэра - виднейшего композитора эпохи Великой французской революции. Это он привил своему ученику вкус к монументальным формам искусства, рассчитанным на массовую аудиторию. В 1825 г. Берлиоз, проявив незаурядный организаторский талант, устраивает публичное исполнение своего первого крупного сочинения - Большой мессы. В следующем году он сочиняет героическую сцену Греческая революция, это произведение открыло целое направление в его творчестве, связанное с революционной тематикой. Чувствуя необходимость получения более глубоких профессиональных знаний, в 1826 г. Берлиоз поступает в Парижскую консерваторию в класс композиции Лесюэра и в класс контрапункта А. Рейхи. Большое значение для формирования эстетики молодого художника имеет общение с выдающимися представителями литературы и искусства, среди которых - О. Бальзак, В. Гюго, Г. Гейне, Т. Готье, А. Дюма, Жорж Санд, Ф. Шопен, Ф. Лист, Н. Паганини. С Листом его связывает личная дружба, общность творческих поисков и интересов. Впоследствии Лист станет пламенным пропагандистом музыки Берлиоза.

В 1830 г. Берлиоз создает Фантастическую симфонию с подзаголовком: Эпизод из жизни артиста. Она открывает новую эру программного романтического симфонизма, став шедевром мировой музыкальной культуры. Программа написана Берлиозом и основана она на факте биографии самого композитора - романтической истории его любви к английской драматической актрисе Генриетте Смитсон. Однако автобиографические мотивы в музыкальном обобщении приобретают значение общеромантической темы одиночества художника в современном мире и шире - темы утраченных иллюзий.

1830 г. был бурным для Берлиоза. В четвертый раз участвуя в конкурсе на получение Римской премии, он наконец одержал победу, представив на суд жюри кантату Последняя ночь Сарданапала. Свою работу композитор заканчивает под звуки начавшегося в Париже восстания и прямо с конкурса отправляется на баррикады, чтобы присоединиться к восставшим. В последующие дни, оркестровав и переложив для двойного хора Марсельезу, он разучивает ее с народом на площадях и улицах Парижа.

2 года Берлиоз как римский стипендиат проводит на вилле Медичи. Вернувшись из Италии, он разворачивает активную деятельность дирижера, композитора, музыкального критика, однако наталкивается на полное неприятие своей новаторской деятельности со стороны официальных кругов Франции. И это предопределило всю его дальнейшую жизнь, полную лишений и материальных трудностей. Основным источником заработка Берлиоза становится музыкально-критическая работа. Статьи, рецензии, музыкальные новеллы, фельетоны впоследствии были опубликованы в нескольких сборниках: Музыка и музыканты. Музыкальные гротески, Вечера в оркестре. Центральное место в литературном наследии Берлиоза заняли Мемуары - автобиография композитора, написанная блестящим литературным слогом и дающая широкую панораму художественной и музыкальной жизни Парижа тех лет. Огромным вкладом в музыкознание стал теоретический труд Берлиоза Трактат об инструментовке (с приложением - Дирижер оркестра).

В 1834 г. появляется вторая программная симфония Гарольд в Италии (по поэме Дж. Байрона). Развитая партия солирующего альта придает этой симфонии черты концерта. 1837 г. был ознаменован рождением одного из величайших творений Берлиоза - Реквиема, созданного в память жертв Июльской революции. В истории этого жанра Реквием Берлиоза - сочинение уникальное, в котором сочетается монументально-фресковый и утонченно-психологический стиль; марши, песни в Духе музыки французской революции соседствуют то с проникновенной романтической лирикой, то со строгим, аскетичным стилем средневекового григорианского хорала. Реквием написан для грандиозного состава участников: 200 хористов и расширенного оркестра с четырьмя дополнительными группами духовых инструментов. В 1839 г. Берлиоз заканчивает работу над третьей программной симфонией Ромео и Джульетта (по трагедии В. Шекспира). Этот шедевр симфонической музыки, оригинальнейшее творение Берлиоза, представляет собой синтез симфонии, оперы, оратории и допускает не только концертное, но и сценическое исполнение.

В 1840 г. появляется Траурно-триумфальная симфония, предназначенная для исполнения на открытом воздухе. Она приурочена к торжественной церемонии перенесения праха героев восстания 1830 г. и живо воскрешает традиции театрализованных представлений Великой французской революции.

К Ромео и Джульетте примыкает драматическая легенда Осуждение Фауста (1846), также основанная на синтезе принципов программного симфонизма и театрально-сценической музыки. Фауст Берлиоза - первое музыкальное прочтение философской драмы И. В. Гете, положившее начало многочисленным последующим интерпретациям ее: в опере (Ш. Гуно), в симфонии (Лист, Г. Малер), в симфонической поэме (Р. Вагнер), в вокально-инструментальной музыке (Р. Шуман). Перу Берлиоза принадлежат также ораториальная трилогия Детство Христа (1854), несколько программных увертюр (Король Лир - 1831, Римский карнавал - 1844 и др.), 3 оперы (Бенвенуто Челлини - 1838, дилогия Троянцы - 1856-63, Беатриче и Бенедикт - 1862) и целый ряд вокально-инструментальных сочинений в разных жанрах.

Берлиоз прожил трагическую жизнь, так и не добившись признания у себя на родине. Мрачными, одинокими были последние годы его жизни. Единственные светлые воспоминания композитора были связаны с поездками в Россию, которую он посетил дважды (1847, 1867-68). Только там добился он блестящего успеха у публики, настоящего признания в среде композиторов и критиков. Последнее письмо умирающего Берлиоза было адресовано его другу - известному русскому критику В. Стасову. /Л. Кокорева/

БЕРНСТАЙН (Bernstein) Леонард (р. 25 VIII 1918, Лоренс, Массачусетс)

Ну разве нет в нем тайны?
Он так горит на эстраде,
так отдается музыке!
Оркестры его обожают.
Р. Челетти

Деятельность Л. Бернстайна поражает прежде всего своим разнообразием: талантливый композитор, известный всему миру как автор мюзикла Вестсайдская история, крупнейший дирижер XX в. (его называют в числе наиболее достойных преемников Г. Караяна), яркий музыкальный писатель и лектор, умеющий найти общий язык с широчайшим кругом слушателей, пианист и педагог.

Стать музыкантом Бернстайну было предначертано судьбой, и он упорно шел по избранному пути, невзирая на препятствия, порой очень значительные. Когда мальчику было 11 лет, он начал брать уроки музыки и уже через месяц решил, что будет музыкантом. Но отец, считавший музыку пустой забавой, не стал оплачивать уроки, и мальчик стал сам зарабатывать деньги на учение.

В 17 лет Бернстайн поступил в Гарвардский университет, где обучался искусству сочинения музыки, игре на фортепиано, слушал лекции по история музыки, филологии и философии. Окончив университет в 1939 г., он продолжил обучение - теперь уже в Музыкальном институте Кертис в Филадельфии (1939-41). Событием в жизни Бернстайна стала встреча с крупнейшим дирижером, выходцем из России, С. Кусевицким. Стажировка под его руководством в Беркширском музыкальном центре (Танглвуд) положила начало теплым дружеским отношениям между ними. Бернстайн стал ассистентом Кусевицкого, а вскоре - помощником дирижера Нью-Йоркского филармонического оркестра (1943-44). До этого, не имея постоянного заработка, он жил на средства от случайных уроков, концертных выступлений, таперской работы.

Счастливый случай ускорил начало блистательной дирижерской карьеры Бернстайна. Всемирно известный Б. Вальтер, который должен был выступать с Нью-Йоркским оркестром, внезапно заболел. Постоянный дирижер оркестра А. Родзинский отдыхал за городом (было воскресенье), и ничего не оставалось, как поручить концерт начинающему ассистенту. Всю ночь проведя за изучением сложнейших партитур, Бернстайн на другой день, без единой репетиции, появился перед публикой. Это был триумф молодого дирижера и сенсация в музыкальном мире.

Отныне перед Бернстайном открылись крупнейшие концертные залы Америки и Европы. В 1945 г. он сменил Л. Стоковского на посту главного дирижера Нью-Йоркского городского симфонического оркестра, дирижировал оркестрами Лондона, Вены, Милана. Бернстайн покорил слушателей стихийным темпераментом, романтическим воодушевлением, глубиной проникновения в музыку. Артистизм музыканта поистине не знает предела: одним своим шуточным произведением он дирижировал... без рук, управляя оркестром только мимикой лица и взглядами. Более 10 лет (1958-69) Бернстайн занимал должность главного дирижера Нью-Йоркского филармонического оркестра, пока не принял решение отдавать больше времени и сил сочинению музыки.

Произведения Бернстайна начали исполняться почти одновременно с его дирижерским дебютом (вокальный цикл Ненавижу музыку, симфония Иеремия на текст из Библии для голоса с оркестром, балет Невлюбляющийся). В молодые годы Бернстайн отдает предпочтение театральной музыке. Он - автор оперы Волнения на Таити (1952), двух балетов; но наибольший успех сопутствовал его четырем мюзиклам, написанным для театров Бродвея. Премьера первого из них (В городе) состоялась в 1944 г., и многие его номера сразу приобрели популярность боевиков. Жанр мюзикла Бернстайна восходит к самым корням американской музыкальной культуры: ковбойским и негритянским песням, мексиканским танцам, острым ритмам джаза. В Чудесном городе (1952), выдержавшем в течение одного сезона более полутысячи спектаклей, чувствуется опора на суинг - стиль джаза 30-х гг. Но мюзикл - не чисто развлекательное шоу. В Кандиде (1956) композитор обратился к сюжету Вольтера, а Вестсайдская история (1957) - не что иное, как трагическая история Ромео и Джульетты, перенесенная в Америку с ее расовыми столкновениями. Своим драматизмом этот мюзикл приближается к опере.

Бернстайн пишет духовную музыку для хора и оркестра (оратория Кадиш, Чичестерские псалмы), симфонии (Вторая, Возраст тревог - 1949; Третья, посвящена 75-летию Бостонского оркестра - 1957), Серенаду для струнного оркестра и ударных по диалогу Платона Симпозиум (1954, серия застольных тостов, восхваляющих любовь), музыку к кинофильмам.

С 1951 г., когда умер Кусевицкий, Бернстайн взял его класс в Танглвуде и начал преподавать в университете города Вельтем (штат Массачусетс), читать лекции в Гарварде. С помощью телевидения аудитория Бернстайна - педагога и просветителя - превзошла рамки любого университета. И в лекциях, и в своих книгах Радость музыки (1959) и Бесконечное разнообразие музыки (1966) Бернстайн стремится заразить людей своей любовью к музыке, пытливым интересом к ней.

В 1971 г. к торжественному открытию Центра искусств им. Дж. Кеннеди в Вашингтоне Бернстайн создает Мессу, вызвавшую весьма разноречивые отклики критиков. Многих смущало совмещение традиционных религиозных песнопений с элементами эффектных бродвейских шоу (в исполнении Мессы участвуют танцоры), песенками в стиле джаза и рок-музыки. Так или иначе, здесь проявилась широта музыкальных интересов Бернстайна, его всеядность и полное отсутствие догматизма. Бернстайн не раз бывал в СССР. Во время гастролей 1988 г. (в канун своего 70-летия) он дирижировал Международным оркестром Музыкального фестиваля земли Шлезвиг-Гольштейн (ФРГ), состоящим из молодых музыкантов. Для меня вообще важно обращение к теме молодежи и общение с нею, - сказал композитор. - Это одно из самых главных дел в нашей жизни, потому что молодежь - наше будущее. Мне нравится передавать им свои знания и чувства, учить их. /К. Зенкин/

пред.страница

след.страница

назад (back)